图片说明:阳光下1998年

　　图片说明:威尼斯小舟2005年

　　图片说明:水城风情2004年

　　图片说明:村落2010年

　　图片说明:巴比松一角2007年

　　图片说明:生生不息2004年

　　图片说明:邱瑞敏近影 胡晓芒摄

　　邱瑞敏先生是我认识较早的画家朋友。与他相见，他总是微微地笑着，眼神有点像个大男孩。但他又有点腼腆，不太善于社交，也很少见他高谈阔论。他极少为他自己的事情找我。我唯一印象深刻的，他很当回事地找我办的事，是为他的学生。他一位博士生开画展，希望在新民晚报上登个消息。

　　我也从没去过他的画室，直到最近。现在流行的名家画室不仅很有看头，还很享受，那些画室往往兼具茶室、咖啡吧、酒吧以及古董字画陈列室的功能。邱瑞敏的画室会是怎样的呢?原来邱瑞敏的画室就在他家的楼下，在同一栋大楼里，是三室两厅的房子，他带着我一间间房参观。朝南的大厅画大画，光线稳定的朝北小屋画小画。其他房间堆放着过去画的画。画室里放的东西都与画画有关，也就是说与画画无关的都没有。还不如王劼音。王劼音的画室虽然简陋，还能给来客沏壶茶喝，在邱瑞敏画室，我连水都没喝到。

　　我觉得邱瑞敏的画大致有两种类型，一种是重大历史题材的，器宇轩昂，可以在博物馆乃至中南海见到，我倒反而见得不多;另一种我见得比较多的是小桥流水、小家碧玉这类小幅作品，画的多为风景和女人。他笔下的芭蕾舞女、威尼斯以及江南古村落等，在不同阶段都很有影响。这一类画看上去静静的，却蒙着一层纱似的带着一种情绪。看得出他很注重笔触，画面上笔触考究，保留着运笔的动态，并且力图使整幅画的笔触处于和谐的状态。他好像不愿意别人一眼就将画的色彩和笔触看到底似的，总是将笔触重叠笔触，色彩覆盖色彩，遮遮掩掩中春光乍现。记得他曾跟我说：“我可以把一幅画一直画下去，没完没了地画下去。”

　　我生稍晚，所以不知道邱瑞敏成名很早，他画的红色题材当时在中国美术界就声名远播。以至于他30来岁在外写生时，围观者知道他就是邱瑞敏，惊讶道：“原来邱瑞敏不是老画家啊!”

　　“现在我不知不觉倒真成了老画家。”邱瑞敏说。

　　认识了这么久，我也不知道他1944年出生，将近古稀了。他总是像大男孩那样微笑着，怎么能老呢?

　　虽然邱瑞敏生长在一个充满变动的时代，但他却能以平稳的心态应对着变幻。“画家要真实地表达内心，不要弄虚作假地去扮演并非你本色的角色。”面对着画坛的千姿百态，邱瑞敏乐于看到各种大胆的探索和尝试，但他还是照着自己的节奏在行进。在画上，他是个温和的改良派，但他对艺术的思考从没有停止过。最令他难以忘怀的是上世纪80年代在纽约普拉特学院度过的日日夜夜，正是在普拉特学院的个性创新理念的培养和感染下，同时不时地进出各大博物馆如饥似渴地揣摹大师的杰作，帮助他实现了对“美术学院”的跨越。在普拉特的那些日子里，即便在冰天雪地的寒冬，他也会带着冷饭到博物馆里泡上一个又一个整天，去热切地感受大师。他心中常会浮现难以忘怀的大都会博物馆凡·高生命最后一百天的作品展，他被凡·高那种狂野的生命力和深沉的痛苦所震慑，以致血液奔腾，思绪激荡。他开始抛弃以往按部就班的陈规，把每一幅画都看作一个实验性的实践运作，努力在实践中摸索，并体念自己的感悟。

　　邱瑞敏那个时代的油画家几乎都是在苏联模式下培养起来的，往往会将自己的画蒙上灰暗压抑的色彩。邱瑞敏越来越意识到，要将那些“清规戒律”摆脱掉，去捕捉大自然的光芒，去捕捉自己内心色彩。他画的色彩开始从低调走向高调，更注重色彩的亮度和纯度。

　　邱瑞敏说：吴大羽先生在他七十岁时对我说：“我仍是个小学生，还在学习。”我现在也快到这个年龄了，他的话提醒着我，勉励着我，勇猛精进，努力以一份虔诚和不懈的求索去创作。我的作品是我求索过程中最真诚的坦露。